劳申伯格作品欣赏（劳申伯格）

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本文目录一览：

• 1、什么是“波普时代”？
• 2、极少主义代表人物
• 3、劳申伯格的移印画是怎么制作出来的

什么是“波普时代”？

波普艺术 50年代中期以后的十年中，在美国和英国发展出一个新的艺术流派，称为"波普艺术"。被冠以"波普艺术家"的这些人在这段时期的创作中都有一个共同的特征，他们以流行的商业文化形象和都市生活中的日常之物为题材，采用的创作手法也往往反映出工业化和商业化的时代特征。造成波普艺术的元素并非到处都有，战后英美的城市文化是其生长的特殊土壤。只有与这种城市文化接触密切的艺术家才能抓住波普艺术特有的格调和表现手法。 人们认为狭义的波普艺术发源于英国，而不是美国。1952年末，一群年轻的画家、雕塑家、建筑师和评论家在伦敦当代艺术学院召开会议。这个自称为"独立派"的团体，着重围绕大众文化和它的含义加以讨论，如西方电影、空间小说、广告牌、机器之美等等，这些现象都是当时被认为是反美学的种种状况。这个团体迷恋新型的城市通俗文化，特别为美国的表现形式所吸引。一方面，当时的美国在英国人眼里，是一个从尼龙制品到新的摩托车什么都好的理想国。另一方面，40年代的英国艺术界笼罩着严肃的浪漫主义努力奋斗的气氛，而英国波普艺术就是对它的反动。 1956年，"独立派"举办了题为"这就是明天"的展览。展览上最有感染力、对艺术史最有影响的作品是汉密尔顿（Richard Hamilton）在入口部分放置的一幅招贴画，名为‖到底是什么使今日的家庭如此非凡迷人？‖（图1）。画中是一间现代公寓，里面有从画报上剪下的一个肌肉丰满的男子和一个傲慢的裸体女人。公寓里有大量的文化产品：电视、带式录音机、放大的连环画书封面、一个福特徽章和一个真空吸尘器的广告。透过画里的窗户可以看到一个电影屏幕，正在放映电影《爵士歌手》中艾尔·乔尔森的特写镜头。男子手上还拿着一支其大无比的棒糖，糖上有三个很大的字母POP。波普艺术（Pop Art）一词就由此而来，POP既是英文棒糖lollipop一词的词尾，又可以看作是"流行的、时髦的"一词（popular）的缩写。 在美国，波普艺术又是对50年代占统治地位的抽象表现主义的反动。一方面，抽象表现主义的作品被看作是艺术家个人独特个性的展现，它是完全个人的、主观的和精神上的，它强调艺术的纯洁性，成为一种精神贵族的艺术。另一方面，由于这种精神性是寓于即兴的挥洒之中，而且是完全个人的，许多后来者们纷纷模仿，于是这"高雅"的艺术又似乎人人都做得来。可惜大多数这类的作品都只有令人眼花缭乱的画面，而难显现精神。可说是"眼看多，实在少"。波普艺术则针对抽象表现主义的问题，大胆地尝试新的材料、新的主题、新的形式。60年代，波普艺术轰轰烈烈地把"生活"、把现代的都市生活带进了博物馆和画廊。使"波普"这一称号得以流行世界的第一次集体展览是1962年在悉尼·贾尼斯画廊举办的"新现实主义艺术家"展，它将这一潮流的艺术家汇集在一起（也包括了欧洲艺术家）。紧接着是1963年举办的两个展览："六画家展览"和"流行形象展"。 某种程度上讲，美国的确影响了世界上所有的波普艺术。由于美国商业文化的强大势力，几乎在世界上任何一个国家都可以看到好莱坞电影，吃到麦当劳的汉堡包，它渗透到许多文化当中而成为可以消费的流行文化。从另一个角度讲，波普艺术又是"工业"艺术。罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）曾说道："由于美国受工业化和资本主义化的冲击更重更快，其价值观念似乎更为扭曲……我想我创作的意义在于说明它是工业性的，这也是整个世界的方向。欧洲不久也将如此，因此，波普艺术将不是美国的，它将是全球性的。" 波普艺术抵制了一位著名批评家的格言：伟大的艺术必须是艰深的艺术。波普艺术家常常采用拼贴或者批量复制的手法，看起来比较容易。"波普艺术是速溶咖啡，是近代电影中的宽银幕，它不是僧侣统治之下的拉丁文，它是通俗艺术。"波普艺术的感染力和它的范围一样广阔，它接纳一切，接纳生活中一切更为普通的方面。它仍然是艺术，但绝不是为艺术而艺术。 提到英美的波普艺术，首先要提到的是美国人劳申伯格（Rauschenberg）和约翰斯（Jasper Johns），以及英国人里查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）。劳申伯格1925年出生于德克萨斯州，40年代末在巴黎儒莱因学院学习。他早期曾受抽象表现主义的影响，在50年代初期画过一系列全白的画，上面唯一的图像就是观赏者的影子。后来他又画了一系列全黑的画，但这些画法并不是他的首创。后来他朝着"组合绘画"的方向发展，采用生活中的寻常之物构成画面--啤酒瓶、废纸盒、旧轮胎、报纸、照片、绳子、麻袋、枕头等等。画布和固定在画布上的物品组成作品，‖床‖（图2）即是这类的典型作品。作者干脆把睡袋和枕头挂在画布上，然后再在上面甩些颜料。他这样在作品中使用现成品的目的，是要打破艺术与生活的界限。正如他所说："绘画是艺术也是生活，两者都不是做出来的东西。我要做的正处在两者之间。"同时，他的作品都留有抽象表现主义的痕迹，常常就有恢弘的气魄。 劳申伯格的这种艺术哲学是受到在黑山学院工作时结识的实验艺术家约翰·凯奇（John Cage）的影响。他1951年认识凯奇，两人交往甚密。凯奇从禅宗的角度影响劳申伯格："判断是无意义的，因为不存在此物比他物更好的事实，艺术也不应该和生活不同，而是生活中的一种行为。" 在劳申伯格的创作生涯中，一直保持着与周围的都市和技术社会的联系，他的这种"集成"式的手段极能反映出关于一个时代的丰富图像，比如在‖符号‖（图3）中，我们可以看到所有具有美国60年代特征的信息，明星总统肯尼迪、黑人领袖马丁·路德·金、越战士兵、登月宇航员，以及追求性解放的嬉皮士等等。 约翰斯的生涯与劳申伯格有许多相同之处，在他们发展的关键时刻两人曾合用一间画室。约翰斯以采用单独而平凡的形象出名，一排数字（图4-1）、靶子（图4-2）、美国国旗（图5）、美国地图等等，这些成了波普艺术的经典之作。他之所以选择这类形象，就是因为他认为它们不会再产生任何能量了。他所要强调的是"绘画就是它本身，而不是任何其他物体的再现"。 约翰斯无意于通过作品表达对艺术或者社会的批评。在他看来，艺术家想做什么是他个人绝对的自由，不该受到因顾及评价而产生的限制。他认为在大多数情况中，作品会被误解和错用，艺术家不能控制形势和他的作品被评价的方式，对于这种有趣的情况他毫不介意。他的一件著名的雕塑就是用铁复制了两个啤酒罐（图6），人们常常理解为这是对社会某种现状的批判。但实际上这次创作纯属偶然。"当时我正在用小物件制作雕塑--手电筒和电灯泡。然后发生了这样一个故事，威廉·德库宁不知怎么被我的经纪人弄得很恼火，他说：'那个狗小子，你给他两个啤酒罐，他也能卖出去。'我听了这句话就想：'多好的雕塑--两个啤酒罐。'这似乎完全适合我当时的口味，因此我就干了--然后我的经纪人就卖了它们。" 在英国的波普艺术运动中，与美国的劳申伯格和约翰斯地位相当的艺术家是里#查德·汉密尔顿。三个人在对达达主义的浓厚兴趣上更为近似。汉密尔顿的个人成长过程对他的艺术作为产生了重要的影响。与其他多数艺术家相比，他实际上是一位自学成才者。他14岁小学毕业后就开始从事广告工作，同时在多所艺术学校读夜校。他的教师经历成为对他的绘画生涯的又一有力影响，他长期教授设计课，这使他格外注重解决问题的能力，而且还使他常常是一个实用主义者。1957年他曾说过他所追求的品质是通俗、短暂、消费得起、风趣、性感、噱头、迷人，还必须是廉价的，能大批量生产的。 虽然汉密尔顿广泛使用美国题材，但他并不是一个美国式的艺术家。他总是愿意对自己的作品做解释，有时解释得十分详尽。例如作品‖她‖是许多广告画面的汇集："羊角"牌电冰箱的照片、吸尘器和其他电器的广告，还有钉在墙上的《绅士》杂志的图片。对于这件作品汉密尔顿附有一段很长的说明："50年代艺术中的女性是不合时宜的--她让我们想到阴沟里的气味，病态的发胖、粉红色的叉腿、模样愚蠢而又淫荡，一点也不像美术作品外冷峻女人的形象。那种女人确实是淫荡的，在表现起性欲时尤其机智巧妙。尽管配上最贵重的首饰，人们仍不过是把她看成时髦的附属品。从广告的角度来说，一个女子最糟糕的莫过于她不能姿态高雅地与所处的环境达成和谐--女人与环境的协调正如她本人与她所著的衣着和谐一样，能决定我们对她的评价。到处充斥着性，在成批生产的富有魅力的奢侈品中可找到它的象征--肉一般的塑料和光滑而更具肉感的金属。" 稍后创作的‖我梦想白色的圣诞节‖把一个电影镜头做了一系列的精心转换。特别之处是，汉密尔顿用彩色负片代替了彩色正片，将影片中的白人歌手换成了黑人歌手，讽刺性地暗示了这位歌手所唱的歌名。不过，这种讽刺成分并没有排除怀旧情绪。汉密尔顿的作品和其他英国波普艺术家的作品一样，带有淡淡的伤感色彩，这使他的作品与美国波普艺术家的作品相比，显得妩媚有余而侵犯性不足

极少主义代表人物

极少主义的理念最早可以追溯到至上主义和新造型主义的关于艺术必须和实用艺术相结合的原则。通过对抽象形态的不断简化，直至剩下最基本的元素来进行的艺术探索。特征在于取消了艺术家个性的表达姿态，无内容、无主题、客观化，表现的仅仅是一个客观存在的纯粹物。

弗兰克·斯特拉

弗兰克·斯特拉(Frank Stella，1936~)，生于美国麻省，50年代学画时，深受德库宁抽象表现主义画风的影响。这期间所创作的平展横向色彩带绘画，也显示他对罗斯科作品的欣赏。1958年来到纽约后创作的黑色系列，是他第一批重要作品。纯净、简洁、均匀，摒弃以透视制造空间幻觉的传统艺术手段，对称的构图进一步取消了形象和画面的区别。60年代初期，更力图统一形式与内容，将画框作为已知条件来处理，为进一步追求画面平整光洁而常采用工业涂料。

唐纳德·贾德

唐纳德·贾德 (Donald Judd，1928~1994年)不仅是最著名的极少主义雕塑家，其理论评述对同代艺术家也深具影响力。作品多采用非天然材料，如铝合金、不锈钢、有机玻璃等。几乎尽人皆知的作品是那些装置在墙壁上，由不锈钢和有机玻璃制作的矩形盒子系列。强调作品的整体性，特别倾心于机械加工过程的高效率和工艺精良的作品外观。

索尔·勒维特

索尔·勒维特(SolLe Witt，1928~)年轻时曾在建筑事务所短期工作，其作品带有较强的建筑意味。格构是他成熟作品的基本构成特色，由立方空框架组成三度的、以木材或喷漆不锈钢制作的雕塑作品，尽管最终形象千姿百态，基本元素始终未变。

丹·弗莱温

丹·弗莱温(Dan Flavin，1933~1996年)以现成的荧光灯管构筑各种雕塑，30年间在十分狭窄的领域中做系列化的探索。60年代初期还有木框架衬托和支撑，后来发展为无框架无基础的纯荧光灯管构图，色彩纯、亮度高，是传统油画颜料无法企及的。但因荧光灯管构成和在展览空间中位置的变化，作品在相当程度上仍存在视幻觉艺术效果。

巴奈特·纽曼

巴奈特·纽曼(Barnnet Newman，1905~1970年)与大多数极少主义艺术家相比，较为年长，其作品在50年代就已成熟，而在极少主义兴盛的60年代，他力图祛除任何欧洲绘画和抽象表现主义艺术的影响，也就是所谓的“画味儿”(Painterly)，创作大尺寸、光洁平滑、色彩对比十分强烈的油画，对其他艺术家影响很大。

理查德·塞拉

理查德·塞拉(Richard Serra，1939~)60年代开始创作的自撑塔楼(Prop)作品，利用铅制沉重构件自重产生的推力和反作用力相互支撑，地球重力是突出的主题。粗糙深暗的表面质感，旨在强调实体感和加工过程的自然痕迹，往往重达几十吨的作品充满紧张感，极具震憾力，令人过目难忘。

乔尔·夏皮洛

乔尔·夏皮洛(Joel Shapiro，1941~)的作品虽在美术史上被归为极少主义艺术一类，但他更着重于重新思考抽象和具象表现之间的关系，作品形体是纯粹几何体，在尺度上更多地与人体有关，加工手段也比较传统，洋溢着一种轻松俏皮的气质。

艾德·莱恩哈特

艾德·莱恩哈特(Ad Reinhardt，1913~1967年)早年受蒙德理安和周瑟夫·奥伯斯启发，在作品中引用矩形色块，进而发展为对称构图极其简约的画风。在单色的作品中，蕴藏着未经训练的普通观者难以察觉的极其微妙的层次变化。从60年代直至去世，专以黑色创作，并把这种画风推到极端，作品特征尤其突出。

埃斯沃兹·凯利

埃斯沃兹·凯利(Ellsworth Kelly，1923~)的油画和浅浮雕作品题材，很多源于建筑局部的简化构图，以明亮纯色或黑白灰的各种微妙变化，在格网中构成几何形式。60年代中期以来，作品常抛弃画框，以不规则几何形直接完成作品，较为活泼，有很强的装饰特色，在一定程度上，很难说其作品是绘画、雕塑还是壁画。

劳申伯格的移印画是怎么制作出来的

移印的原理是把所需印刷的图案先利用照像制版的方法

把钢版制成凹版再经由特制矽胶印头转印在被印物上，并且可依产品的材质不同，调制专用的油墨，以使品质得到保证。 移印机的流程分为下列四点: 1. 由毛刷将油墨均匀覆盖在钢版上。 2. 由刮墨钢刀将多余油墨刮除。 3. 由印头下降到钢版将图案内的油墨沾起。 4. 由印头移位下降至产品将图案盖上。 移印机适用行业: 塑胶业、玩具业、玻璃业、金属业、电子业、体育用品、文具业、光学业、IC封装业等。 移印机适用范围: 尺、笔、球形物、洋娃娃眼睛、手表、照相机、吹风机之外壳、陶磁、医药器具、球拍、录音带、电子零件、IC、CPU、DRAM、电脑外壳、按键、装饰标志、大哥大机壳等之印刷

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